My work is an inquiry into the traces of sensation and the subconscious that precede linguistic definition. The canvas serves as a field where an event takes place; my gestures are the records and energetic afterimages left upon it.

My paintings originate not from physical paint, but from non-material elements: light and data. Within the digital realm, I endlessly stratify layers of color, intersecting virtual gestures with algorithmic serendipity to visualize the invisible architecture of emotion. The chromatic afterimages and emotional residues encountered in life, fragments of memory, and relational tensions are reconstructed as an aggregation of pixels. Each element pushes and pulls against the others, inscribing a form of visual poetry across the surface.

This non-material work is not completed on a screen; it culminates in a process of ‘Materialization’ through a physical transition to the canvas.

Upon the initial completion where the digital-born image permeates the canvas via pigment ink, I superimpose materials possessing tangible physicality, such as acrylics, to build up physical layers. The rough textures and thick matière applied over the sleek digital surface are acts of breathing the air of reality into the virtual image. This is the precise point where the rigorous logic of data merges with the artist’s intuitive respiration.

Therefore, my work acts as a ‘Double Translation’—transmuting virtual signals into material traces. When ephemeral and fluid data is fixed upon the canvas, weighted by physical brushstrokes, the work transcends into a singular object possessing an autonomous presence.

This hybrid landscape, where the virtual and the real, technology and emotion intersect, is my own ‘Visual Annotation’ on the contemporary era.

저의 작업은 언어로 규정되기 이전의 감각과 무의식의 흔적을 탐구하는 과정입니다. 캔버스는 하나의 사건이 벌어지는 장(field)이며, 저의 행위는 그 위에 남겨진 기록이자 에너지의 잔상입니다.

저의 회화는 전통적인 붓질 이전에, 빛과 데이터라는 비물질적 요소에서 먼저 태어납니다. 디지털 공간 안에서 저는 색의 레이어를 무한히 중첩하고, 가상의 제스처와 알고리즘의 우연성을 교차시키며 보이지 않는 감정의 구조를 시각화합니다. 살아가면서 보고 느끼는 색채와 감정의 잔상, 기억의 파편, 관계 속 긴장감들은 픽셀의 집합으로 재구성되며 화면 위에 시각적인 시(詩)를 써 내려갑니다.

이 비물질적인 데이터는 캔버스라는 물리적 실체로 ‘전환(translation)’되고, 다시 한번 작가의 개입을 통해 ‘물질화(Materialization)’되는 과정을 거쳐 완성됩니다.

디지털에서 태어난 이미지가 안료 잉크의 형태로 캔버스 천에 스며든 1차적 완결 위에, 저는 아크릴 물감처럼 물성을 지닌 재료를 더해 물리적인 층(Layer)을 적층합니다. 매끈한 디지털 표면 위에 얹어지는 거친 질감과 두터운 마티에르(Matière)는 가상의 이미지에 실재의 숨결을 불어넣는 행위입니다. 이는 치밀한 데이터의 논리와 작가의 직관적인 호흡이 융합되는 지점입니다.

따라서 저의 작업은 가상의 신호를 물질의 흔적으로 치환하는 이중의 번역(Double Translation)입니다. 일시적이고 유동적인 데이터가 물리적인 붓질의 무게를 입고 캔버스 위에 고정될 때, 작품은 비로소 독자적인 존재감을 지닌 오브제가 됩니다.

기술과 감성, 가상의 매끄러움과 실재의 거칠음이 교차하는 이 혼종적 풍경은, 동시대 예술이 나아가야 할 방향에 대한 저만의 시각적 주석(Visual Annotation)입니다.

grymC [grim:si] (legal name: Hyunjun Chang) is a South Korea-based contemporary artist.

Drawing from his professional background in textiles and the fashion industry, he brings a unique structural sensibility to his fine art practice.

Rather than being bound by a single medium or stereotype, grymC explores the intersection of digital foundation and physical texture, continuously expanding his distinctive visual language.

His work has gained international resonance, being frequently selected and curated by prominent contemporary art gallerists and advisors on global platforms. Today, grymC’s works are held in private collections across nearly 30 countries worldwide.

그림시 (장현준)는 대한민국을 기반으로 활동하는 현대미술 작가입니다.

텍스타일을 전공하였고 패션 업계에서 쌓은 전문적인 경험을 바탕으로, 그는 자신의 순수 미술 작업에 독창적인 구조적 감각을 불어넣습니다.

단일한 매체나 고정관념에 얽매이지 않고, 가상의 디지털 기반과 현실의 물리적 질감이 교차하는 지점을 탐구하며 자신만의 확고한 시각 언어를 끊임없이 확장해 나가고 있습니다.

그의 작업은 글로벌 미술 플랫폼에서 저명한 현대미술 갤러리 디렉터와 어드바이저들에게 빈번하게 선정되고 큐레이션 되며 국제적인 반향을 일으키고 있습니다. 현재 grymC의 작품은 전 세계 30여 개국의 프라이빗 컬렉션에 소장되어 있습니다.