My work is an inquiry into the traces of sensation and the subconscious that precede linguistic definition. The canvas serves as a field where an event takes place; my gestures are the records and energetic afterimages left upon it.

My paintings originate not from physical paint, but from non-material elements: light and data. Within the digital realm, I endlessly stratify layers of color, intersecting virtual gestures with algorithmic serendipity to visualize the invisible architecture of emotion. The chromatic afterimages and emotional residues encountered in life, fragments of memory, and relational tensions are reconstructed as an aggregation of pixels. Each element pushes and pulls against the others, inscribing a form of visual poetry across the surface.

This non-material work is not completed on a screen; it culminates in a process of ‘Materialization’ through a physical transition to the canvas.

Upon the initial completion where the digital-born image permeates the canvas via pigment ink, I superimpose materials possessing tangible physicality, such as acrylics, to build up physical layers. The rough textures and thick matière applied over the sleek digital surface are acts of breathing the air of reality into the virtual image. This is the precise point where the rigorous logic of data merges with the artist’s intuitive respiration.

Therefore, my work acts as a ‘Double Translation’—transmuting virtual signals into material traces. When ephemeral and fluid data is fixed upon the canvas, weighted by physical brushstrokes, the work transcends into a singular object possessing an autonomous presence.

This hybrid landscape, where the virtual and the real, technology and emotion intersect, is my own ‘Visual Annotation’ on the contemporary era.

저의 작업은 언어로 규정되기 이전의 감각과 무의식의 흔적을 탐구하는 과정입니다. 캔버스는 하나의 사건이 벌어지는 장(field)이며, 저의 행위는 그 위에 남겨진 기록이자 에너지의 잔상입니다.

저의 회화는 전통적인 붓질 이전에, 빛과 데이터라는 비물질적 요소에서 먼저 태어납니다. 디지털 공간 안에서 저는 색의 레이어를 무한히 중첩하고, 가상의 제스처와 알고리즘의 우연성을 교차시키며 보이지 않는 감정의 구조를 시각화합니다. 살아가면서 보고 느끼는 색채와 감정의 잔상, 기억의 파편, 관계 속 긴장감들은 픽셀의 집합으로 재구성되며 화면 위에 시각적인 시(詩)를 써 내려갑니다.

이 비물질적인 데이터는 캔버스라는 물리적 실체로 ‘전환(translation)’되고, 다시 한번 작가의 개입을 통해 ‘물질화(Materialization)’되는 과정을 거쳐 완성됩니다.

디지털에서 태어난 이미지가 안료 잉크의 형태로 캔버스 천에 스며든 1차적 완결 위에, 저는 아크릴 물감처럼 물성을 지닌 재료를 더해 물리적인 층(Layer)을 적층합니다. 매끈한 디지털 표면 위에 얹어지는 거친 질감과 두터운 마티에르(Matière)는 가상의 이미지에 실재의 숨결을 불어넣는 행위입니다. 이는 치밀한 데이터의 논리와 작가의 직관적인 호흡이 융합되는 지점입니다.

따라서 저의 작업은 가상의 신호를 물질의 흔적으로 치환하는 이중의 번역(Double Translation)입니다. 일시적이고 유동적인 데이터가 물리적인 붓질의 무게를 입고 캔버스 위에 고정될 때, 작품은 비로소 독자적인 존재감을 지닌 오브제가 됩니다.

기술과 감성, 가상의 매끄러움과 실재의 거칠음이 교차하는 이 혼종적 풍경은, 동시대 예술이 나아가야 할 방향에 대한 저만의 시각적 주석(Visual Annotation)입니다.

grymC [grim:si] (legal name: Hyunjun Chang) lives and works in South Korea.

He had a passion and talent for art from an early age, but he majored in textiles in university. After graduating, he used his passion for the arts to work in the fashion industry.

He has been steadily working in art, and mainly uses digital tools to create his works. He creates works of various styles without being bound by one stereotype. Countless layers and textures are layered on top of each other to create unique textures and colors.

His works are currently collected in around 30 countries worldwide, adding beauty to the spaces of their collectors.

그림시 (grymC, 본명 장현준) 는 대한민국에서 태어나서 작업하고 있습니다.

그는 어려서부터 미술에 대한 열정과 소질이 있었지만 대학에서 텍스타일을 전공했습니다. 졸업 후에는 예술에 대한 열정을 살려 패션 업계에 종사하였습니다.

그는 꾸준히 작품 활동을 해왔으며, 주로 디지털 도구를 이용해서 작품을 만듭니다. 그는 한가지 스타일에 얽매이지 않고 다양한 스타일의 작품을 작업합니다. 무수한 레이어와 텍스쳐를 겹치고 겹쳐 독특한 질감과 컬러를 만들어 냅니다.

현재 그의 작품은 전 세계 30여 개국의 컬렉터들에게 소장되어, 그들의 공간에 아름다움을 더하고 있습니다.